Provinceart
Уникальная граффити-галерея в Дзержинске с мобильным гидом изменяющая облик города и создающая новую культурную среду.
Социальный эффект
Позиционирование бренда
Долгосрочный арт-объект
Участие в проекте
Партнерское участие в проекте "Provinceart" создает мощный инфоповод и широкую огласку СМИ. Позволяет позиционировать и усилить свой бренд через презентацию шедевра мировой живописи. Создает долгосрочный масштабный арт-объект в городской среде с интегрированной нативной рекламой.

Каждая из картин становится городской достопримечательностью и вызывает бурное обсуждение в городской среде, множество упоминаний в соц.сетях и сми,
как на этапе анонсирования, создания работы ее презентации так и после.

Все выбранные картины является признанными мировыми шедеврами, уже снискавшими любовь миллионов людей во всем мире.

Компания-партнер
Каждая картина закрепляется только за одним партнером.

Сама картина позиционируется как "подарок" от компании-партнера.
На протяжении всего процесса анонсирования, создания, презентации и сопроводительных мероприятий все повестсвование идет от лица компании-партнера.
Компания выступает инициатором участия в социально-значимом проекте, заботясь о сотрудниках и горожанах.
Обосновывает выбор картины уникальными специфическими особенностями компании. Рассказывает детали о художнике и картине.

На информационном стенде рядом с работой будет указано что работа подарена в уникальную городскую выставку компанией-партнером.
Нативная реклама (повествование от лица компании) встроено в страницу о картине и аудиогид доступный по QR коду установленному рядом с работой.

Охват и СМИ
Создание крупных граффити-объектов в рамках проекта привлекает внимание и освещается всеми региональными и городскими телеканалами, городскими и областными газетами, блогерами и пабликами.

Пабло Пикассо.Коллекция музея им. А.С.Пушкина
Девочка на шаре
Картина о легкости и надежности.
Их единстве и поддержке.
Сила и хрупкая красота.
Ключевая идея
Картина "Девочка на шаре" станет одной из главных художественных достопримечательностей города, напоминая жителям о силе поддерживающей красоту.
Позиционирование
Надежная крупная компания которая заботится о своих сотрудницах, поддерживая и создавая им возможности для легкой жизни
Оценка стоимости
Стоимость материалов для создания картины рассчитывается исходя из выбранного размера.

+ Музейная комиссия. Т.к. картина находится в собственности музея РФ, требуется оплата комиссии музею за использование изображения.Мы запрашиваем изображения для проекта для некоммерческих образовательных целей
Описание картины.
Начиная с 1905 года настроение картин Пикассо ощутимо меняется. Художник уже почти оправился после самоубийства своего друга Касагемаса, в его жизни наконец-то наступила светлая полоса. Изменения происходят постепенно, и чем больше Пикассо переживает радостных моментов, тем больше жизни появляется в его работах. В первую очередь это отражается на цветовой гамме картин: на смену холодным оттенкам синего и серого приходят теплые, приглушенные цвета – красный, розовый, оранжевый, коричневый. Но предпочтение Пикассо отдает розовому, который и дал название новому периоду в творчестве художника.

Картину Пикассо "Девочка на шаре" можно назвать неким синтезом "голубого" и "розового" периодов. Она удивительным образом совмещает в себе и неуловимую тревожность первого, и легкую безмятежность второго. Это как будто столкновение прошлого и будущего в одной точке, видимая трансформация творческих методов и приемов Пикассо. Противоречие усиливается и за счет использования двух разных цветовых палитр, и за счет противопоставления главных героев картины.

Юная гимнастка, затянутая в тесное голубовато-серое трико, кажется продолжением шара, на котором она балансирует, изгибы ее тела повторяют его форму. Но неустойчивость позы девочки больше похожа на игру, она будто бы парит в воздухе, едва касаясь шара пальцами ног. В противовес ей атлет, изображенный на переднем плане, практически врастает в землю. Внушительный куб, на котором он сидит, и угловатая, мощная фигура мужчины превращают его буквально в олицетворение понятия устойчивости. Но между героями полотна, несмотря на всю их непохожесть, существует незримая связь, подчеркнутая с помощью цвета. В конце концов, становится понятно, что оба они составляют идеальную гармонию равновесия, где один невозможен без другого.

Автор: Евгения Сидельникова
Фрида Кало
Автопортрет с терновым ожерельем
Сила женщины,
способная преодолевать невероятные трудности.
Ключевая идея
Автопортрет в терновом ожерелье - не оставляет равнодушных. Он станет одной из главных художественных достопримечательностей города. Яркий портрет известной мексиканской художницы и ее удивительная история напоминает нам о невероятной женской силе и стойкости, способной превозмогая трудности творить и создавать
Позиционирование
Защита прав женщин. Мы хотим этой картиной напомнить о том что на долю женщин выпадают подчас невероятные трудности, но такие истории как история Фриды, напоминают нам о том что если ты чего то хочешь, то внутри найдутся силы для этого.
Оценка стоимости
Стоимость материалов для создания картины рассчитывается исходя из выбранного размера.

+ Отсутствие музейной комиссии
+ Работа уже согласована в Администрации города
Фрида – один из тех редких случаев в мире искусства, когда популярность художника обусловлена по большей части его трагической личной историей, оттесняющей на второй план талантливые работы. Всю жизнь она будто бы бежала наперегонки со смертью, то отставая, то выбиваясь вперед, то отчаянно цепляясь за жизнь, то мечтая «уйти и никогда не возвращаться». Как бы парадоксально это ни звучало, смерть оказалась самой верной спутницей Кало на всем ее жизненном пути.

Одна из особенностей картин Кало заключается в том, что все они написаны крошечными мазками. Это серьезная нагрузка на руки и позвоночник, поэтому можно только догадываться, как тяжело приходилось Фриде, когда она только начала рисовать. До аварии единственным ее опытом в этой области были несколько уроков, взятых у гравера Фернандо Фернандеса. Первые кисти и краски купил девушке отец, зарабатывавший на жизнь фотографией. А мать заказала подрамник, при помощи которого Фрида могла рисовать лежа. В это время ее работы – это по большей части натюрморты и автопортреты. Спустя годы Кало скажет, что пишет так много автопортретов, потому что собственное лицо – это то, что она знает лучше всего. Но в те месяцы, когда Фрида восстанавливалась после аварии, она боялась, что умрет, и память о ней быстро исчезнет, поэтому старалась оставить как можно больше напоминаний о себе. Первой такой работой стал «Автопортрет в бархатном платье» (1926).

Еще одна вещь, отличающая картины Фриды, – их глубокая эмоциональность. Все, что она не может выразить словами, все, о чем вынуждена молчать, Кало переносит на холст. Она показывает зрителю кровь, боль, человеческие внутренности, неприглядную правду жизни. Фрида делится переживаниями из-за постоянных измен мужа – знаменитого художника Диего Риверы («Всего-то несколько царапин!», 1935), страданиями из-за очередной потери ребенка («Госпиталь Генри Форда», 1932) и непрекращающейся болью после травм, болезней и бесчисленных операций («Сломанная колонна», 1944, «Без надежды», 1945, «Раненый олень», 1946). И всю жизнь Кало безжалостно вскрывает свою душу, как доктора снова и снова вскрывали ее измученное тело, и демонстрирует зрителю собственное открытое сердце, чувствительное и беззащитное («Две Фриды», 1939).

И, наконец, Фрида не была бы Фридой, если бы не унаследовала мексиканское отношение к смерти – безусловно, с уважением, но при этом и с изрядной долей юмора. Неотъемлемой частью мексиканской культуры являются так называемые «ретабло», примитивные картинки на маленьких металлических пластинах, которые рисовались в благодарность святым (Диего и Фрида собрали огромную коллекцию таких изображений). В частности, именно с ретабло смерть в разных ипостасях и обличиях перекочевала на картины Кало. Она стоит, выпрямившись в полный рост на площади в Койоакане неподалеку от дома Фриды («Жители Мехико», 1938), таращится пустыми глазницами маски, венчающей тело маленькой девочки в розовом платье («Девочка с маской Смерти», 1938) и с улыбкой ждет своего часа над постелью спящей Фриды («Сон (Кровать)», 1940). Только так художница спасается от страха, который внушает ей это постоянное незримое присутствие.

В последние годы Кало становилось все тяжелее рисовать. Она вернулась к тому, с чего начинала – писала натюрморты, лежа в постели. Последней работой Фриды считается картина «Viva la vida! Арбузы» (1954), однако, судя по четким линиям и уверенным мазкам, она была написана задолго до этого. Финальным штрихом стала лишь надпись кроваво-красной краской, словно вырезанная на спелой мякоти арбуза. «Viva la vida!» - «Да здравствует жизнь!» Что же еще, как не этот дерзкий вызов, могла написать Фрида Кало, уже заглядывая в глаза смерти?
Эдгар дега. Коллекция музея им. А.С.Пушкина
Голубые танцовщицы
"Сердце подобно большинству инструментов: его нужно хорошенько протирать и почаще им пользоваться, чтобы оно блестело и хорошо работало."
Ключевая идея
Эдгар Дега считал что нет никакого вдохновения.
Все создается своими руками - трудом и упорством.
Все создается только тобой и только твоими усилиями.
Это и есть та магия которую потом все будут называть искусством и вдохновением.

Позиционирование
Занимайся любимым делом, делай его с душой и получай удовольствие от жизни.
Оценка стоимости
Стоимость материалов для создания картины рассчитывается исходя из выбранного размера.

+ Музейная комиссия. Т.к. картина находится в собственности музея РФ, требуется оплата комиссии музею за использование изображения.Мы запрашиваем изображения для проекта для некоммерческих образовательных целей
Сердце подобно большинству инструментов: его нужно хорошенько протирать и почаще им пользоваться, чтобы оно блестело и хорошо работало.

Мир балета стал одной из самых любимых тем Дега, к которой он постоянно возвращался в своем творчестве. Однако, в отличие от многих современников, художника привлекает не красочный праздник театра, а проза закулисной жизни. «Голубые танцовщицы» могут показаться зарисовками одной и той же балерины: вот она завязывает пуант, потом поправляет платье, осматривает свой костюм, держась за край декораций. Соединенные в пределах одного листа, эти обычные движения вдруг превращаются в прекрасный танец; на наших глазах рождается магия театра и магия живописи. Благодаря использованию техники пастели, в этой работе Дега удается добиться удивительного богатства фактуры и цветовых сочетаний. Небольшие мазки-штрихи ложатся в разных направлениях, соединяясь в звучные потоки синих теней или рассыпаясь отблесками света на волосах танцовщиц. Художник Морис Дени, посетивший Москву в 1909 году, увидев эту пастель Дега в домашней галерее коллекционера С.И. Щукина, так отозвался о ней: «В большом салоне – голубой Дега, самый прекрасный, самый звонкий и самый новый».
Клод Моне
Впечатление. Восход солнца
Важно то что для тебя важно.
Картина икона-импрессионизма.
Ключевая идея
Эта картина олицетворение идеи импрессионизма.
Важности личного восприятия - то как ты сам это воспринимаешь, а не то как это видят другие. И тем показательнее, что эта картина одна из тех, которые дали начало самому понятию импрессионизма в искусстве.
Делать то что ты воспринимаешь, то что важно для тебя. "Восход солнца " Моне.
Позиционирование
Нам важно то что важно для вас. Забота и уважение к личности сотрудников и клиентов.
Оценка стоимости
Стоимость материалов для создания картины рассчитывается исходя из выбранного размера.

+ Музейная комиссия отсутсутствует
Каталогом к первой выставке импрессионистов в 1874 году занимался брат Ренуара Эдмон. Ему стоило немалого терпения разобраться с бандой диссидентов, вознамерившихся бросить вызов официальному Салону, и упорядочить то, что порядку не подлежит – страстное и необузданное творчество.

Составляя список картин Клода Моне, Эдмон Ренуар пожаловался: «У вас все названия слишком однообразные. Вот как вы назовете эту картину? «Корабли, входящие в порт Гавра»? Художник придумал: «Я назову ее «Впечатление».

Коллекционеры и страстные поклонники Клода Моне сейчас платят огромные деньги за каталог, в котором под номером 98 значится картина «Впечатление. Восход солнца», давшая название целому движению и явлению в мировой живописи. Не меньшей коллекционной ценностью обладает и еще один артефакт, появившийся в Париже 25 апреля 1874 года – номер газеты «Шаривари», на страницах которой критик Луи Леруа назвал дерзких молодых художников унизительным «импрессионисты» и, сам того не желая, изобрел словарное определение той живописи, которая прямо на его глазах совершала переворот в изобразительном искусстве.

«Впечатление, ну конечно. Я так и знал. Не зря же я под таким впечатлением! Но какая свобода, какая легкость фактуры! Обойная бумага в стадии наброска, и та будет смотреться более проработанной, чем эта живопись!» - язвил Леруа.

Ощущение недоработанности, наброска, небрежности и неумелости вызывали картины импрессионистов у современников, привыкших к классической живописи. Доводы, что именно так и выглядит утренний туман, не срабатывали. «Почему бы тогда не написать что-нибудь еще более неразличимое? Борьбу двух негров в туннеле, например?» - не унимался рецензент. Говорят, что посетители первой выставки импрессионистов искренне смеялись, стоя перед полотнами, которые спустя сто лет будут продаваться за десятки миллионов.
Норман роквелл
Девочка бегущая под дождем с холстом
Обновление, движение вперед, будущее.
Время действовать!
Ключевая идея
Картина "Девочка бегущая под дождем с холстом" станет одной из главных художественных достопримечательностей города, очаровательная девочка на картине Нормана Роквелла - олицетворяет молодость созидание. Она не просто убегает от дождя, ее взгляд устремлен вперед, к новым целям. Она держит все набегу, ловко балансируя, устремляясь быстрым прыжком, смело идя в будущее
Позиционирование
Пришло время перемен и стремления к светлым и ярким перспективам в бущем вместе с нашей компанией
Оценка стоимости
Стоимость материалов для создания картины рассчитывается исходя из выбранного размера.

+ Музейная комиссия отсутстсвует
Художник Норман Роквелл родился в 1894 году в семье, не связанной с искусством: отец был менеджером в текстильной компании, мама — домохозяйкой. Страсть к рисованию у Нормана проявилась в раннем детстве. Когда мальчику было семь лет, отец каждый вечер читал романы Чарльза Диккенса, а Норманн рисовал в своем воображении его мрачных героев. Позже в своей автобиографии Роквелл напишет: «Может быть, когда я вырос и обнаружил, что мир не такое уж приятное место, как я думал, я бессознательно решил, что, даже если это не идеальный мир,он должен быть раскрашен мною идеально в моих картинах, в которых не будет пьяных бродяг или злых матерей, наоборот — только добрые родители и счастливые дети».

На иллюстрациях Роквелла выросло не одно поколение детей, вдохновленных его творчеством. Известный режиссер Джордж Лукас вспоминает, как в детстве со всех ног бежал со школы каждый раз, когда выходил новый выпуск журнала: «Ведь все, что изображал художник, было частью моей жизни». Роквелл был потрясающим рассказчиком, а его герои оказывали на детей почти магическое действие.

Роквелл изображал обычных людей с необыкновенной теплотой и симпатией, приправляя картины изрядной долей юмора . Зрители платили ему той же монетой — узнавая себя в героях картин, они писали тысячи благодарственных писем художнику. Вряд ли еще можно найти художника с такой невероятной популярностью, какая была у Нормана Роквелла, успех шел по пятам иллюстратора с первой и до самой последней его работы. Несмотря на громкий успех, он был необыкновенно скромным. Да, Роквелл вел простой образ жизни. Он родился в Нью-Йорке, долгие годы жил в маленьких городах, объездил почти весь мир, но он не был простым человеком. Автор биографии художника «Норман Роквелл: жизнь» Лора Кларидж говорит, что видит в нем невероятно талантливого художника, человека очень образованного, благородного, с твердыми убеждениями,но при этом склонного к депрессиям. Он был мастером юмора и в то же время мог безошибочно точно изобразить драматический момент, достигая сценического эффекта.

Press "Subscribe" to follow Tilda Publishing on Vkontakte